Hágase la luz (y el arte en las sombras)

Arte rupestre de las cuevas de Pont D'Arc. Francia. Circa 17,000 a.C.

El arte surgió como una necesidad social, una forma de comunicación constante en ese medio iluminado por fuego dentro de las cuevas. No nos debe extrañar que la maestría de las obras artísticas más reconocidas se deba a su manejo luminoso. Por supuesto, es fácil percibir esta fascinación por la luz en obras de artistas imprescindibles como Rembrandt y Caravaggio, pero atrevámonos a ver la luz como algo más abstracto. Comparemos la sombra, oscuridad y luminosidad de una pieza musical, con altos, bajos y silencios. “Clair de Lune” Claude Debussy. 1890. Un ejemplo sonoro de la psicología de la música sobre nuestra percepción de luz y sombra. Oigamos un rato.

O una escultura de mármol dispuesta de tal forma que recibe los rayos del sol que ensombrecen y resaltan sus formas creando el drama de la acción petrificada.

"Venus Itálica" Antonio Canova. 1819.

El arquitecto Le Corbusier llegó a la conclusión, ya en el siglo XX, que “la arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”. Volúmenes estáticos que cambian de lectura con el movimiento diario del sol.

Edificio de Rectoría. USAC. Foto elaboración propia. Examinemos por un momento el juego rítmico de luz y sombra.

Con la luz viene otro fenómeno fascinante: el color y la percepción cromática de miles de tonalidades junto a la manipulación de materiales para imitar los encontrados en la naturaleza.

"Composición con Azul" Piet Mondrian. 1930.

Si hay color, hay luz… ¿Y si no lo hay? Hay contraste. Las sombras no serían nada sin luz. Sin luz, no hay nada.

Creo que es momento de dar un repaso a lo que hemos aprendido, ahora visto con otro foco.

Volvamos a lo sencillo, la luz en el medio que me parece más fascinante y representativo: la pintura.

Si introducir fuego a la cueva fue el génesis, cuando Caravaggio prendió un fósforo con su pincel, inició una revolución. Este pintor italiano del siglo XVI hizo lo que a nadie se le había ocurrido antes: sacó el arte de la oscuridad, literalmente, sus figuras nacen de la sombra y se bañan en una luz mística.

"El Martirio de Santa Úrsula" Michelangelo Caravaggio. 1610. La construcción de las formas es un espacio de color de fuertes contrastes que dotan de volumen al cuadro sin necesidad de un exhaustivo estudio de perspectiva.

Estos cuadros han inspirado miles de artistas, su influencia se aprecia desde autores contemporáneos como Georges de La Tour y Artemisia Gentileschi.

"María Magdalena" Georges de La Tour. 1640. Las obras de La Tour son íntimas y vagamente iluminadas, casi sofocantes, sin embargo de la calma de sus personajes.

"Judith y Holofernes" Artemisia Gentileshi. 1612. Artemisia asimiló los principios y el dinamismo de Caravaggio, realzando las acciones de sus personajes con el dramatismo de fuertes luces focalizadas.
Hasta Velázquez, llamado “pintor de pintores” se fijó en el aporte de Caravaggio e hizo su propio homenaje en su obra. Su propia luz.

"La Fragua de Vulcano" Diego Velázquez. 1630. Velázquez alcanza la madurez pictórica con esta obra, su manejo luminoso es tan cuidado que se dice que es el único que pudo pintar el aire que corría entre los personajes.

El tiempo siguió caminando y la luz continúa en estudio día con día. Vermeer es otro gran representante del estudio cuidadoso y específico del poder que ejerce la sombra en una obra.

"Muchacha leyendo una Carta" Johannes Vermeer. 1657. En este autor, encontramos el valor de la armonía, se dedicó a crear atmósferas tan familiares que nos deberíamos sentir invitados a acompañar a sus personajes.

Hay algo de poesía, o llana ironía, en el hecho que fue Goya quien regresó la pintura a la oscuridad durante el “Siglo de las Luces” movimiento que empieza luego de la Revolución Francesa en 1789.

"El Conjuro" Francisco de Goya. 1798. Goya, en su etapa más madura, se fascina por el mundo de las brujas y el pecado, una excusa perfecta para explorar la oscuridad de la noche.

Por algún tiempo, se pensó que la luz no evolucionaría más allá de lo que hemos visto. Hasta que llegó el Impresionismo y la luz no solo se convirtió en contraste, se hizo color en sí misma.
William Turner inspiró a una nueva generación de pintores.

"Incendio en el Parlamento" William Turner. 1835. El movimiento impresionista disecciona la fuerza de los lienzos de Turner y determinan que su aporte es la observación de la luz en su estado natural, a diferentes horas del día, durante todo el año.

La pintura no sólo se libera de la oscuridad, también sale de los estudios a plasmar el día. Vive en cada instante, como la fotografía...

Podríamos continuar evaluando cada aporte luminoso de cada artista, pero la conclusión sería la misma: la luz es, al mismo tiempo, creadora y protagonista del arte.

Mucho se debate sobre qué sí y qué no es arte; si ven la obra como un amanecer, no lo duden, es arte.

En fin, “alumbra, lumbre de alumbre...”